作为濑户内海艺术节的主要场所，直岛以其丰富的美术馆资源每年吸引了大量的游客。其中跑马观花游览了三个美术馆。第一个是安藤忠雄设计的“地中美术馆”。当初设计时，他的设计理念是美术馆不能破坏天然的地形和自然的风景，于是在郁郁葱葱的山坡中掩藏了一座“沉埋在自然中的建筑”，包括入口都显得极其隐蔽。
俯瞰地中美术馆
美术馆入口
美术馆入口
地中美术馆的藏品数目并不多，但是每一件都是很难被超越的佳作，其中包括美国艺术家Walter De Maria制作的大理石雕塑”Time/Timeless/No Time”，光之艺术家James Turrell的“Open Sky”和“Blue Planet Sky”，美国装置艺术家詹姆斯.特勒尔的三件作品Afrum, Pale Blue、 Open Field和Open Sky。还有莫奈晚年的“睡莲系列”作品。
莫奈的“睡莲”
《time、timeless、notime》
瓦尔特·德·玛利亚的作品《time、timeless、notime》在密闭空间里从顶上开窗引光，投射在黑色光面大理石球，随时间形成不断变化的光影，石球摆放在长长的阶梯的中部，墙上是金色的长方形的音阶错落有致延伸，整个房间用不同物体、形态、光、影表达了无形而抽象的时间的概念，让人产生跌落无尽时空隧道的感觉。因不能拍照，只能照到局部。
美国艺术家詹姆思·特瑞尔的作品《Afrum Paleblue》在密闭空间用灯光营造的效果，在墙角上发出的灯光，远看像是墙角上开的一扇窗。
詹姆思·特瑞尔的作品《Afrum Paleblue》灯光营造的效果，远看像是墙角上开的一扇窗
詹姆思·特瑞尔（JamesTurrell）的另一展品《Openfield》，在昏暗的房间内，游客10人一组站在房间固定位置观看墙面中央显示屏上光影变换，光怪陆离的光线，加上干冰制造的烟雾效果，让观众无法正确判断人与屏幕的距离，让人感叹光的魅力。
美术馆内其他混凝土设计
安藤忠雄，一位从职业拳击手到自学成才的建筑设计师。90年代后才开始参与公共建筑、美术馆等大型建筑项目设计，1995年即获得建筑界最高荣誉——普利兹克奖。其在直岛上的作品地中美术馆建成于2004年，从空中俯瞰，其造型就像许多篆刻的积木嵌入在“地中”，充分利用日光明暗交替变换产生的光影效果。同时，埋于地中的建筑也最大限度地保护了地面的自然景观。为了贯彻“地中”设计元素，美术馆的入口设计得很隐蔽，通过一个隐蔽而狭长、昏暗冰冷的走廊就进入到全部由混凝土浇筑的、充满压抑的地下空间，时而有一处可见阳光的不规则空间随意摆放着不规则的石块或水泥柱，通过天窗的设置、错落的体块引入自然光，这些要素使地中美术馆成为地缘性艺术（Site-specific Art）的典范，成就了安藤忠雄“清水混凝土诗人”的美名。
地中美术馆俯瞰
继续步行到以韩国艺术家命名的李禹焕美术馆(Lee Ufan Museum)。李禹焕出生于韩国，在日本工作和生活，是日本当代艺术流派“物派”的代表人物。“物派”艺术是日本上世纪六十年代末对西方工业文明带来的西化潮流反思的产物，其作品随意且令人费解，没有体现任何美感，往往在一个空间中摆放未加修饰的自然物——石块、石柱、水泥块、木块、金属块，这种空间与物体的关系就是“物派”要表达的思想。
美术馆作品以石块等为主
美术馆于2010年完工开馆，是建筑大师安藤忠雄按照李禹焕“让美术馆如洞窟一般，能够看到半敞的天空，是一个像是回到胎盘中或是进入墓穴一样的空间”的要求设计了用一个三角形广场把3个箱型展示空间连接起来。整座美术馆建筑低调而含蓄，细节处又彰显着设计师的奇思妙想，尤其是光线恰到好处地穿过安藤忠雄标志性的清水混凝土墙洞、天窗，使整座美术馆建筑充满了宛然曲折的韵味。
美术馆紧邻大海，李禹焕部分作品就伫立其中起伏的山丘上，温暖的阳光、绿色的草坪、辽阔的大海共同交织成和谐的自然景观，使美术馆建筑和艺术作品完美融合。
13.00pm 预约杉本博司（Hiroshi Sugimoto） gallery 《Time Corridors》（ 時の回廊）美术馆。杉本博司从小接受西方油画教育，被誉为“最后的现代主义者”，将东西方史学、哲学和美学带入摄影，延伸了摄影的意义，提升了摄影作品的艺术性。2008年 海景作品《Black Sea, Ozuluce; Yellow Sea, Cheju 》在纽约拍出165万美金的亚洲当代摄影作品最高纪录。2001年获素有“摄影诺贝尔奖”之称的哈苏相机基金会国际摄影奖。
时间、记忆、梦想以及历史是杉本博司摄影的主题。其作品风格平静、画面黯淡、给人冰凉的感觉，但充满探寻与思索，使无数人驻足于他的作品之前，揣摩其深层次的意思。
参观完后，博物馆提供茶点，坐在茶室可远眺大海，从茶室出来，海边更是风光无限。